Crítica | A Morte de Robin Hood Traz Hugh Jackman Desconstruindo a Lenda

A figura clássica do justiceiro de Sherwood habita o imaginário de Hollywood há mais de um século. O cinema mudo apresentou a primeira versão grandiosa da lenda em 1922 com o astro Douglas Fairbanks. Pouco tempo depois, em 1938, Errol Flynn consolidou o visual colorido e heroico em As Aventuras de Robin Hood.

O grande público se acostumou a enxergar o personagem através de uma lente super-heroica e leve. Astros mundiais como Kevin Costner e Russell Crowe assumiram o manto do arqueiro em adaptações blockbusters focadas em pura aventura. A premissa de roubar dos ricos para entregar aos pobres sempre funcionou muito bem nas bilheterias.

Poucas obras ousaram tirar o sorriso do rosto do famoso fora da lei inglês. O filme Robin e Marian, estrelado por Sean Connery e Audrey Hepburn em 1976, assumiu um tom melancólico elogiável. Essa obra dos anos 70 serve como uma inspiração direta para o clima pesado da nova produção que chega aos cinemas.

Lançado em 2026, A Morte de Robin Hood subverte todas as expectativas da cultura pop moderna. O longa abandona o heroísmo tradicional para abraçar o peso da velhice e as consequências da violência. Hugh Jackman assume o papel principal entregando a versão mais amarga e desgastada do mito já registrada pelas câmeras.

A Morte de Robin Hood e o Fogo da Vingança

O cineasta Michael Sarnoski assume a direção e o roteiro do projeto com muita coragem. Ele construiu uma ótima reputação na indústria americana dirigindo o thriller Pig – A Vingança e o blockbuster Um Lugar Silencioso: Dia Um. Sarnoski constrói histórias focadas no peso emocional dos personagens diante de um mundo em ruínas.

O diretor joga fora todo o contexto histórico romantizado das Cruzadas e a velha briga contra o Xerife de Nottingham. O texto abraça velhas canções folclóricas do século XVII para narrar o capítulo final da vida do ex-combatente. O protagonista agora vive isolado nas montanhas, assombrado pelos crimes brutais que cometeu na juventude.

Os primeiros trinta minutos de projeção funcionam como um grande soco no estômago do público. A história mostra os descendentes das antigas vítimas do justiceiro caçando o velho arqueiro pelo interior da Inglaterra. Robin precisa reagir rapidamente para sobreviver à fúria de quem perdeu tudo por causa das suas flechas no passado.

Nesse primeiro ato tenso, o arqueiro reencontra o seu velho parceiro de guerra, Little John. O ator Bill Skarsgård surge quase irreconhecível no papel do gigante companheiro de batalhas. O personagem abandonou o crime, assumiu a identidade de um pacato fazendeiro chamado Edward e formou uma família.

A ameaça dos caçadores força a dupla a entrar em confronto direto mais uma vez. Sarnoski filma esses combates com um peso realista, fugindo das coreografias ágeis dos filmes de herói modernos. A agressividade vista na tela serve apenas para mostrar o quanto o passado do protagonista foi manchado de sangue.

Um Mergulho Analógico e o Jogo de Telas

O primor técnico da obra merece aplausos especiais por remar contra a maré do cinema digital. A produção optou por rodar o longa-metragem inteiramente em película de 35mm. Essa escolha analógica garante uma textura suja e granulada que veste perfeitamente a atmosfera opressiva da narrativa inglesa.

O diretor de fotografia Pat Scola toma uma decisão criativa bastante arriscada e muito eficiente. Ele filma toda a violenta meia hora inicial com pesadas faixas pretas nas laterais da tela. O filme adota o formato scope reduzido (2,39:1) para encaixotar e sufocar a agressividade descontrolada do personagem principal.

Logo após esse intenso preâmbulo de ação, o longa sofre uma alteração drástica na sua linguagem visual. A janela de exibição se expande verticalmente, assumindo a proporção 1,66:1 até o final dos créditos. Essa mudança representa o exato momento em que o herói abandona o campo de batalha físico.

Essa transição estética engenhosa tira o espectador da zona de conforto visual típica das salas de cinema. A tela expandida convida a plateia a mergulhar no drama interno do arqueiro envelhecido. A câmera passa a priorizar os rostos cansados em vez das grandes paisagens repletas de espadas e sangue.

O Refúgio no Priorado e a Cura Pela Fé

A história ganha o seu verdadeiro corpo narrativo quando o justiceiro sofre ferimentos graves no confronto. Edward carrega o velho amigo até as portas de um priorado isolado em uma ilha remota. O fazendeiro deixa Robin aos cuidados de um lugar pacífico, buscando uma cura impossível para as feridas do ex-companheiro.

O santuário religioso funciona como um verdadeiro purgatório na Terra para o combatente moribundo. Lá, ele fica sob os cuidados atentos e misteriosos da Prioresa Brigid, interpretada brilhantemente por Jodie Comer. A religiosa carrega a fama folclórica de realizar milagres inexplicáveis na recuperação dos doentes que cruzam o seu caminho.

O ator Murray Bartlett também marca presença no elenco interpretando um leproso que reside nos fundos do local. A dinâmica entre esses personagens marginalizados cria um microcosmo sobre perdão, culpa e o peso do fanatismo. O roteiro de Sarnoski não busca conexões fáceis ou realistas para justificar a presença de todos naquele espaço fechado.

A incrível direção de arte assinada por Hauke Richter transforma o pequeno priorado em um ambiente quase etéreo. O contraste entre o guerreiro sujo de lama e a pureza fria da pedra da igreja dita o tom das interações. O filme deixa a aventura ao ar livre para se transformar em um poderoso drama de câmara teatral.

Hugh Jackman e Jodie Comer Lado a Lado

O coração do filme bate forte graças às atuações viscerais dos seus dois atores principais. Jodie Comer prova novamente seu talento absurdo interpretando uma mulher entristecida que abandonou o mundo exterior. A personagem isolou-se nas paredes do priorado para cuidar dos fracos após perder tudo na sua antiga vida mundana.

A freira enxerga no corpo destruído de Robin a representação física de todos os pecados da Inglaterra. Os diálogos curtos entre os dois abordam temas pesados sobre martírio e o valor real de uma vida humana. Sarnoski conduz essas conversas com longos momentos de silêncio, priorizando a linguagem corporal e as trocas de olhares.

Do outro lado, Hugh Jackman despeja todas as suas camadas dramáticas no papel do assassino arrependido. O ator australiano entrega um personagem barbudo, com as mãos grossas e o olhar completamente vazio. Ele não carrega nenhum traço do homem charmoso e sedutor que costumava roubar cofres rindo das autoridades locais.

A maquiadora Pamela S. Westmore realiza um trabalho espetacular na caracterização do protagonista ferido. O rosto do ator exibe marcas profundas, cicatrizes antigas e a sujeira acumulada de anos vivendo como um fugitivo. Jackman repete a mesma entrega física e melancólica que garantiu o enorme sucesso de crítica no longa Logan (2017).

O Fantasma de Uma Vida Violenta

O texto levanta debates profundos sobre como a sociedade cria heróis baseados em atrocidades maquiadas. O protagonista passa a questionar a lenda mentirosa que criaram sobre o seu nome ao longo dos anos. Ele percebe que o famoso conto do ladrão de boas intenções não passa de uma romantização da barbárie.

A obra abandona a grandiosidade épica para investigar o cristianismo, o perdão e o martírio. As obras do cultuado diretor francês Robert Bresson servem como referência direta para o ritmo reflexivo que toma conta do segundo ato. A culpa toma o lugar do arco e flecha como a arma mais perigosa na vida do fora da lei.

A aproximação entre o combatente e a freira gera um clima de tensão dramática e quase mística. Os planos bem fechados nas sessões rústicas de sangria e curativos misturam dor, cuidado e uma ponta de erotismo sagrado. A sobrevivência do personagem depende unicamente da sua capacidade de aceitar o próprio fracasso moral.

Fãs de obras como O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford (2007) vão se sentir em casa. O tom lento, observador e focado nos fantasmas do passado rege toda a conclusão da narrativa. O cineasta subverte o épico histórico, forçando o ícone pop a enfrentar os rostos daqueles que ele destruiu.

O Veredito: Uma Reconstrução de Classe

A proposta de A Morte de Robin Hood lembra muito o feito de Clint Eastwood em Os Imperdoáveis. Ambos pegaram figuras arquetípicas do cinema e expuseram as suas hipocrisias de maneira fria e direta. O filme destrói completamente o imaginário heroico infantil para construir um conto focado em adultos calejados.

Sarnoski prova que o cinema de gênero ainda guarda espaço para riscos estéticos e narrativos grandiosos. Ele recusa o conforto das grandes batalhas de computação gráfica e foca na crueza da natureza humana. A escolha de encerrar a trama priorizando diálogos baixos dentro de uma igreja prova a sua imensa segurança no projeto.

As performances magnéticas do elenco principal garantem que o ritmo arrastado do meio do filme não afaste a plateia. Jackman e Comer sustentam o peso da lenda nos próprios ombros, preenchendo os longos silêncios com micro expressões perfeitas. Eles transformam um filme que poderia ser apenas melancólico em uma intensa sessão de terapia sobre traumas de guerra.

Este lançamento não busca agradar fãs antigos do personagem ou recriar a magia dos contos de fadas britânicos. A nova produção joga uma pá de cal definitiva sobre o justiceiro alegre das florestas europeias. A flecha de Sarnoski acerta o coração do mito, enterrando o arqueiro e cravando seu nome entre os melhores lançamentos do ano.